Michael Choi (Etats-Unis)
Né à Urbana-Champaign, Illinois, Michael W. Choi est un compositeur, chef d’orchestre et réalisateur américano-coréen spécialisé en musique pour film, pour animation, pour jeux et pour nouveaux médias. Il est actuellement basé à Los Angeles, où il compose de la musique pour film, animation et d’autres arts médiatiques. Il a obtenu son Master en Musique pour film, télévision et jeux vidéo du Campus Valencia de Berklee College of Music. De même, il a suivi des cours au SAIC (l’école de l’institut des arts à Chicago) où il a eu sa licence en beaux-arts en 2014 et où il étudiait le cinéma, la vidéo, les nouveaux médias, le son et les beaux-arts.
One Second in the Light
« La vérité n’est pas toujours une lumière éblouissante. Parfois c’est une obscurité profonde et fulgurante, qui éclaire – et brûle – avec la même certitude. »
Albert Einstein
Le temps est une invention de l’être humain qui définit le phénomène naturel des cycles répétitifs. La nature possède les paramètres requis qui ont aidé les humains à représenter le temps, mais le temps en tant que tel n’existe pas.
Cette musique dessine le portrait de grands scientifiques dans le grand schéma de leurs théories sur le temps. En n’utilisant que quelques instruments sélectionnés tels que cordes, piano, et synthétiseurs arpégés, la musique met en scène un ton suspendu et une sensation du temps à l’aide du timbre et des techniques avancées spécifiques des instruments qui jouent l’impulsion d’une seconde, donnant une inspiration musicale passive mais immersive du temps.
Omar Del Real (Etats-Unis)
Né à Zecateras au Mexique, le compositeur Omar Del Real trouve de nouveaux sons dans tout et dans rien. Del Real a étudié la guitare et la théorie musicale avec Rafael Hernandez Hidalgo. Omar poursuit ses études en se focalisant sur la composition algorithmique et multimédia. Actuellement étudiant au programme de composition CSUN sous la direction du compositeur spectraliste Liviu Marinescu, Del Real essaye de pousser les limites du timbre avec la microtonalité et l’électronique. Les compositions d’Omar ont été jouées à Los Angeles, à Zacatecas Mexique et à Monterrey Mexique.
Palindrom (Entropy means nothing to me)
Une composition qui tente de défaire les chaînes de la physique en évitant de se contraindre à la flèche du temps. Inspiré par des rythmes non-retrogradables de Messiaen, cette composition essaie de créer un véritable palindrome sonore qui sonne pareil qu’on le joue dans un sens ou dans l’autre. Dans une performance live, les percussions seraient jouées contre un enregistrement d’elles-mêmes qui joue la même chose à l’envers la deuxième et la troisième fois. !A AIA A ! avec un miroir au milieu.
Sergio Gurrola (Mexique)
Compositeur et artiste sonore. Ses oeuvres se situent sur la frontière entre musique et bruit, témoignage et poésie. Les pièces de Sergio emploient une exploration esthétique mais aussi un questionnement éthique : le lien entre l’art et le monde. La pièce la plus récente de Sergio a comme axe central la voix humaine en signe de résistance.
Le projet « Vivirvive » comprend une série d’oeuvres basées sur de témoignages d’êtres marginaux : artistes oubliés, enfants emprisonnés... Les pièces explorent la microtonalité. Elles ont été composées pour, interprétés et enregistrés avec les instruments inventés par le compositeur mexicain Julián Carrillo (1875-1965), créateur de Sound 13.
Le projet « San Clemente » constitue également la bande sonore du film « El Premio ». « San Clemente » a été joué au Nuremberg International Film Festival, au New Horizons International Film Festival à Wroclaw Pologne, Radio France et la radio Cinesecuencias au Mexique.
The runner without a trace
La civilisation ancienne des rarámuri, mystérieuse et attentive quant à ses traditions. Les ermites vivent dans des ravins et des canyons dans l’une des parties les plus hautes de la chaîne montagneuse de Sierra Madre au Mexique. « Des hommes aux pieds ailés ». Leur rituel le plus important consiste à courir pendant des jours avec peu de nourriture. La notion de temporalité et de course à travers la complexité du monde qui nous entoure sur nos propres pieds, est une vision du monde qui les accompagne depuis des milliers d’années. Cette pièce est le portrait mouvant de Silvino Cubescare, un coureur assez expérimenté pour tracer de nouveaux chemins sur ses propres pieds.
Malgré les massacres et l’oubli brutal, Silvino réapparait avec un pas fort lors de courses pour aider les siens.
Les rarámuri savent que l’utopie se situe sur l’horizon inatteignable et sert à rester en mouvement constant. Le rythme est à mi-parcours du silence, et la conscience est la conjonction d’un stimulus énigmatique.
Tim Howle (Royaume-Uni)
Tim Howle est professeur en musique à l’Université de Kent. Il a également travaillé aux universités de Hull et d’Oxford Brookes. Il a étudié la musique à l’université de Keele avec Roger Marsh et Mika Vaughan, obtenant un doctorat en composition en 1999. Son oeuvre se centre autour de la musique électronique, comprenant des oeuvres pour sons fixés, mais aussi pour interprète et live-electronic ainsi que des pièces audiovisuelles. Son oeuvre a été joué à travers les Etats-Unis, l’Asie et l’Europe.
False Memory of Normandy
Cette oeuvre est basée sur un poème de J. M. Fox. Un homme, dans le présent, se rappelle avoir joué comme enfant sur un aire de jeux dans les années 1960 en s’imaginant que c’était le D-Day en 1944. Dans le présent, les souvenirs d’enfance et d’âge adulte s’entremêlent. La musique acousmatique traite du temps d’une manière analogue en mêlant du matériel périodique et apériodique par dessus une pulsation qui change tout au long de la pièce pour rappeler le passé altéré. Certains sons ont été enregistrés récemment, d’autres il y a 30 ans, afin de soutenir l’approche perçue d’état altéré. Il s’agit d’une tentative d’étendre la notion d’écoute réduite en, dans notre cas, maximisant la dislocation dans le temps.
Filipe Leitao (Etats-Unis)
Professionnel primé, innovant, hautement technique avec plus de 10 ans d’expérience en création musicale, Filipe Leitao est un compositeur, producteur musical et orchestrateur né au Brésil et basé à Tuscaloosa, Alabama. Les oeuvres de Filipe reflètent sa voix unique qui prend son origine dans un mélange de musique classique, populaire, brésilien et de film.
Filipe détient un master en production musicale et design sonore pour médias visuels de l’université Academy of Art (San Fransisco, Californie). Actuellement Filipe prépare un doctorat en composition musicale à l’Université d’Alabama.
Time Goes By
Une oeuvre de paysage sonore minimaliste et atmosphérique avec piano et divers échantillons du tic-tac d’un horloge, évoquant le passage du temps.
Andres Lewin-Richter (Espagne)
(Espagne, 1937). Assistant d’enseignement au Columbia Princeton Electronic Music Center (1962-1965), travaillant avec V. Ussachevsky, M. Davidovsky et E. Varèse. Co-fondateur et directeur du Phonos Electronic Music Studio à Barcelone depuis 1974, à présent membre du Music Technology Group de l’Université Pompeu Fabra, Barcelone (président Xavier Serra), organisateur de l’ICMC 2005 et du SMC 2010.
Time Machine with Voices
Toute pièce musicale est une partition du temps, les sons parcourent le temps. Dans le cas présent, j’ai décidé d’utiliser des motifs rythmiques strictes avec des échantillons de voix, après avoir expérimenté avec de nombreux enregistrements produits dans notre studio d’enregistrement, rélévant des passages éphémères et choralisant des fragments de voix isolés, puisque les échantillons de choral sont devenus impossibles à traiter du fait d’une dispersion de fréquence.
Clovis McEvoy (Auckland)
Clovis McEvoy est un compositeur, conférencier et ingénieur sonore de 30 ans basé à Auckland. Actuellement Clovis enseigne à l’école de musique de l’Université d’Auckland dans le domaine des arts sonores et de production musicale. Clovis a travaillé avec et a reçu des commandes pour des membres de l’orchestre philharmonique d’Auckland, et il a écrit des bandes sonores pour des courts-métrages, des documentaires et le théâtre. Les oeuvres de Clovis ont été jouées à Seoul, en Corée du Sud et à Leuk, Suisse. Clovis a reçu l’APRA-AMCOS Professional Development Award en composition contemporaine en 2017.
A Study In Virtual Reality Music
Cette oeuvre est conçue pour être visionnée sur des systèmes de réalité virtuelle tels que le HTC Vive ou l’Oculus Rift – toutefois elle peut être visualisée sur des écrans 2D traditionnels sous forme d’étude.
Paolo Pastorino (Italie)
Paolo Pastorino (1983) est un guitariste et compositeur italien.
Depuis 2006, il commence à travailler comme ingénieur du son pour certains groupes Rock, de musique industrielle et de Nu-metal. Il a étudié et a obtenu son diplôme en informatique musicale et technologie sonore au Conservatoire de Sassari (2015). Actuellement, il est spécialisé dans les nouvelles technologies de la musique au Conservatoire de Cagliari. Dans ses œuvres, il utilise des instruments électroniques et des algorithmes réalisés par un logiciel, ainsi que des instruments traditionnels électroniques et d'autres éléments concrets qui existent dans la nature. Ses compositions ont été jouées en Europe (Italie, France, Espagne, Allemagne, Royaume-Uni) et à l’international (États-Unis, Argentine, Japon, Mexique).
Velocità limite
Cette oeuvre est issue d’une série de réflexions : La principale concerne la vitesse en lien avec le temps et la perception de celui-ci ; la seconde concerne la quantité d’informations auxquelles nous sommes exposés à chaque instant de nos vies et de nos activités humaines. Moins de temps, plus de vitesse.
Le problème est clairement centré sur une très étroite dimension temporelle (des années 1980 à nos jours) qui comporte des changements technologiques et, en conséquence, socialement très importants. La voie suivie par les sociétés occidentales, de l’époque préindustrielle à l’époque postindustrielle, semble être caractérisée non par une ligne droite mais par une courbe en forte accélération.
La vitesse et le temps sont des paramètres centraux dans notre quotidien, mais nous devons prendre en compte les dommages que ces deux peuvent causer à notre conscience. Notre équilibre interne est en péril lorsque l’humanité court vers le futur atteignant une vitesse limite à laquelle nous avons du mal à nous adapter ; ceci laisse moins de temps pour des processus importants comme l’attention critique et la réflexion.
QUOD (Espagne)
Quod est un groupe de musique pour vidéo et art de vidéo né en 2016 et intégré par l’artiste Inés Uribe (Bilbao, Pays basque, Espagne) et le compositeur Miguel Matamoro (Vigo, Galicie, Espagne).
Ces deux artistes ont participé à de nombreux festivals, cycles ou espaces tels que : MARCO (Musée d’art contemporain, Vigo, Espagne), CGAC (Saint-Jacques de Compostelle, Espagne), BBVA FOUNDATION (Bilbao, Espagne), Cibeles center (Madrid, Espagne), Kursaal (Saint-Sébastien, Espagne), FMEC (Cadiz, Espagne), Sinkro Festival (Vitoria, Espagne), Université de Houston (Etats-Unis), Schola Cantorum (Paris, France), Photomuseum (Zarautz, Espagne) ou White Lab Galery (Madrid, Espagne), Festival PUNTO DE ENCUENTRO (Granada, Espagne), Bernaola Festival (Vitoria, Espagne), ArteAbierto (Casa Decor, Madrid, Espagne) Festival Gaztapiles (Madrid, Espagne), ASPA Contemporary (Madrid, Espagne) et bien d’autres.
Quod a également été sélectionné comme projet pour le BienalSur 2017 (Amérique du Sud).
D E S V E L O
Ce que le moi virtuel fait quand je ne suis pas dans le monde virtuel. Un laps d’inexistence.
Idée – Quod (Inés Uribe et Miguel Matamoro)
Caractère principal – Enrique Díez
Violon – Roberto Alonso.
Berndt Schumann (Allemagne)
Né en 1979 à Chemnitz, Allemagne, vivant actuellement à Göttingen. Etudes en ingénierie du son, composition et musique électroacoustique à Detmold, Brême, Hambourg et Leipzig ; 2004-07 travaillant comme ingénieur du son pour plusieurs studios d’enregistrement, 2007-11 ingénieur du son au Anhaltisches Theater Dessau, depuis 2011 au Deutches Theater Göttingen ; travaille principalement dans le domaine électroacoustique et instrumental, occasionnellement aussi la musique pour théâtre, textes courts et films expérimentaux ; plusieurs prix dont Czech Society of Electroacoustic Music, Innova Musica Competition et Counterpoint Composition Competition. Performances en Europe de l’Est, Russie, Mexique et Etats-Unis.
Planquadrat II
Un court essai cinématographique sur l’absurdité de l’ambition humaine face au temps.
David Snow (Etats-Unis)
Les compositions de David Jason Snow (né 1954) ont été interprétées au concert par l’Ensemble Intercontemporain, La Banda Municipal de Bilbao, the Juilliard Ensemble, et d’autres artistes et ensembles à l’échelle internationale. Sa Das Lied von des Magnetosphäre était l’une de dix ouvres électroacoustiques sélectionnées par MAARBLE, le projet euro-américain de recherche spatiale, comme lauréats de son concours de composition musical « Sons de l’espace ». Snow a également reçu des prix de composition du National Endowment for the Arts, deux bourses du conseil des arts de l’état de Maryland, une bourse de la fondation ASCAP, des prix de composition de BMI et du Musician Magazine et du Keyboard magazine, et il a été artiste en résidence à Yaddo à Saratoga Springs et au Millay Colony for the Arts à Austerlitz, New York. Il détient des diplômes en composition de l’Eastman School of Music et du Yale School of Music.
La relativité pour les nuls
La relativité pour les nuls est une représentation poétique de la dilatation du temps. Les passagers d’un vaisseau spatial en accélération au départ de la Terre sont soumis à un passage du temps plus lent par rapport à ceux sur Terre, l’effet devenant plus radicalement prononcé lorsque le véhicule s’approche de la vitesse de la lumière. L’expérience subjective du passage du temps sera la même pour les deux catégories d’observateurs, mais une horloge à bord du vaisseau spatial sera en retard par rapport à celle sur Terre. La présente composition représente cette disparité temporelle en accélérant les temps et en accumulant la densité des évènements musicaux : pour l’observateur sur Terre, le temps et la densité évènementielle ne changent pas ; quant à celui qui écoute et qui symboliquement joue le rôle du voyageur de l’espace proche de la vitesse de la lumière, le passage du temps sur Terre s’accélère.
Simon Šerc (Slovénie)
Simon Šerc (né 1972) est un artiste sonore et vidéo, ingénieur d'enregistrement, interprète et créateur d'un label. Il a étudié la philosophie et l'informatique, et est actif dans le domaine de musique expérimental depuis 1990. Il a participé à de nombreux festivals avec ses projets audiovisuels : Sound Thought (Ecosse), New Texture (Corée du Sud), Gravity Assist (Etats-Unis.), Black & White (Portugal), Kiblix (Slovénie), Lieblichkeit und Sexualität (Autriche), Art & Music (Croatie), Expo 2000 (Allemagne), Instants Vidéo Numériques et Poétiques (France), Sguardi Sonori (Italie), etc. En tant qu'artiste sonore et vidéo, il a collaboré avec d'autres artistes/collectivités de divers domaines artistiques et il participe aussi activement dans différents projets musicaux (PureH, Cadlag, KSVLKSV etc.) Il est fondateur du label de production Pharmafabrik qui, selon les critiques musicaux, enrichit remarquablement la diversité sonore slovène avec sa méthodologie consistante et clairement définie de l'exploration sonore.
Martina Testen (Slovénie)
Martina Testen est née en 1976 à Postojna, Slovénie. Elle travaille dans les domaines de la communication visuelle et sonore, des paysages sonores (enregistrements de terrain) et de la photographie numérique. Récemment Martina a participé au festival Numérique et Poétique en France, au Videofestival Natures en Slovénie et a présenté sa sculpture sonore au World Listening Project. Elle vit à Nova Gorica.
Before The Time
La prémonition de l’énergie des spores et de la fragilité des géants crée une sensation de faiblesse et une crainte d’être piégé dans des systèmes à plusieurs niveaux. Le fil des évènements manque presque le temps pour donner une impression. La connexion des particules ne se trouve pas interrompue par le danger des solitaires. Quelle est la place de l’homme dans cette séquence caractérisée par la destruction de l’environnement, l’ingénierie génétique et la perception de la vie comme une très courte période ?
Fredy Vallejos (Equateur)
Fredy Vallejos, musicien d'origine colombienne, est diplômé en percussion, musicologie, informatique musicale et composition (Colombie, France, Suisse). Sa préoccupation esthétique, caractérisée par l'exploration d'un univers sonore multiple et hétérogène, est basée sur des travaux de recherche ethnomusicologique formalisés à l'aide des outils de CAO (Composition assistée par Ordinateur) et sur le rapport du son avec d'autres formes d'art. Actuellement il est professeur à l'Ecole d'Arts Sonores de l'Université des Arts de l'Equateur.
Relative Patterns 4
« Si rien n'a précédé la répétition, si aucun présent n'a surveillé la trace, si, d'une certaine manière, c'est le « vide qui se recreuse et se marque d'empreintes », alors le temps de l'écriture ne suit plus la ligne des présents modifiés. L'avenir n'est pas un présent futur, hier n'est pas un présent passé »
J. Derrida : L’Écriture et la différence
La série Relative Patterns est le fruit d’une analyse rythmique de musique traditionnelle d’origine orale afro-colombienne. Le matériel est utilisé pour construire un mécanisme qui a pour origine l’opposition de timbres contrastés qui évoluent et atteignent une polyrythmie complexe – entièrement calculé à l’aide d’Open Music – de même qu’une transformation presque imperceptible des durées dont cette polyrythmie se compose. Le résultat suit un processus de vague périodicité au moyen de polyrythmies complexes qui demeurent toujours en mouvement.
David Ventura (Portugal)
Cizus est un label visuel axé sur lumière, vidéo et oeuvres sonores, avec le but de stimuler et d’influencer la perception humaine, ouvrant de nouvelles approches à l’univers d’illusions optiques et sensorielles.
.hexakai
Installation / performance audiovisuelle
La relation entre l’espace et le temps, et sa déconstruction, pour créer des formes volumétriques de lumière et des motifs consécutifs.
Un écosystème de lumière qui excède la perception humaine, nous donnant une perspective composée de plusieurs dimensions.
Inspiré du système gravitationnel qui nous entoure, à travers la science, la physique, comme une entité géométrique unie.
Vortichez (Royaume-Uni)
La compositrice de musique électroacoustique Vortichez vient du Royaume-Uni et a vécu dans plusieurs pays de l’Europe, de l’Asie et de l’Afrique ces 8 dernières années. Elle a participé au Rarescale Electroacoustic Composition Course avec Michael Oliva, et au cours Stockhausen Kürten en projection sonore. Sa pièce Hatshepsut’s Harem pour installation octophonique a été créée au BEAST FEaST en avril 2018 au Elgar Concert Hall. Elle compte ouvrir une salle de spectacle au Brésil l’année prochaine.
Want Water
La partie électronique de cette pièce se compose entièrement de sons transformés d’arbres assoiffés, tels qu’ils sont enregistrés à l’aide de capteurs acoustiques hautement sensibles et partagés généreusement par le physicien Alex Ponomarenko. Lors de sécheresses, les arbres émettent des brefs « clicks » en ultrason, dont l’origine n’est pas clair mais qui, selon les découvertes d’Alex, sont liés à l’apparition de bulles. Ces petits clicks ont été rallongés par la compositrice afin de refléter l’échelle de temps plus lent des arbres. Quand nous communiquons avec les arbres, leur soif peut nous être traduite. En effet, les scientifiques peuvent utiliser ces découvertes pour préparer les arbres affaiblis à de longues périodes de sécheresse, amenées par le changement climatique.